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The marine

2008-10-13T12:00:00+02:00

John Triton (John Cena) est l’un des meilleurs marines que vous puissiez rencontrer mais il y a une chose qui ne sait pas faire : voir ses compatriotes mourir sous ses yeux. Désobéissant aux ordres directs, il les sauve des mains de terroristes prêts à leur trancher la tète mais cette victoire reste au travers de la gorge de sa hiérarchie. En conséquence, il est révoqué du corps des marines pour son plus grand désespoir car c’était toute sa vie. Il retrouve du réconfort auprès de sa femme Kate (Kelly Clarkson) et tous deux décident de se changer les idées en voyageant un pue. C’est à cette occasion qu’ils croisent le chemin de criminels recherchés pour un sanglant braquage.

C’est carrément dingue qu’un film d’action comme celui-là mettant en scène l’un des plus grands champions de catch de ces dernières années n’ait pas connu un plus grand succès. Il est dommage que les spectateurs ne soient pas plus sensibles au patriotisme exacerbé, au déluge de coups de feu et d’explosions et bien d’autres clichés qui ont précipité The Marine dans l’oubli ! La WWE (World Wrestling Entertainment) propulse ses plus grandes stars sur le grand écran mais il y a encore du chemin avant que ceux-ci ne méritent réellement le statut de comédien. Il est en tout cas certain qu’ils vont faire le bonheur des fans de films d’action de série Z et des amateurs des stars du catch !

”Les familles heureuses se ressemblent toutes...

2008-08-15T13:05:00+02:00

Le premier jour du reste de ta vie, de Rémi BEZANCON (2008) avec les immarcescibles Zabou BREITMAN et Jacques GAMBLIN

les familles malheureuses sont malheureuses chacune à sa façon." Cette citation de TOLSTOI (incipit d'Anna Karénine) conviendrait assez bien pour définir cette petite comédie sympathique: au début on assiste à la vie assez ordinaire d'une famille nombreuse, puis au désagrègement du bonheur de la famille emportée dans la ronde des départs, du travail, du tabac et du sexe...Un bon divertissement, en cet été un peu pourri quand on n'habite pas sur la Côte d'Azur!

Cf. l'immarcescible Télérama:

http://www.telerama.fr/cinema/films/le-premier-jour-du-reste-de-ta-vie,348878.php

Anne Delourme

Mais qui a tué Pamela Rose ?

2008-05-26T12:00:00+02:00

Un hôtel quelque part aux Etats-Unis. On vient de retrouver le corps inanimé d’une certaine Pamela Rose (Julie Bataille) alors qu’elle peignait sa chambre. C’est une affaire complexe et il fallait pour cela dénicher les meilleurs agents du F.B.I. Hélas ils tournaient déjà un autre film et ce sont les agents Bullit & Riper (Kad Merad & Olivier Baroux) qui vont devoir assumer une enquête qui s’annonce déjà difficile. La première chose à faire est de rassembler les indices et grâce à leur flair, ils vont découvrir que ce meurtre a été commis par un meurtrier. Une question brule alors les lèvres : Mais qui a tué Pamela Rose ?

Si le film a été réalisé par Eric Lartigau, le scénario original ainsi que les dialogues ont été supervisés par le duo comique que l’on connait si bien Kad & Olivier. A l’instar de leurs sketchs télévisés, c’est la déconne et l’humour au 3^ème degré qui prime dans Mais qui a tué Pamela Rose ? Epaulés par de nombreux guests comme Jean-Paul Rouve, Alain Chabat ou encore Gérard Darmon ; c’est une comédie qui n’atteint certes pas les sommets mais qu’on apprécie de revoir à l’occasion. Beaucoup de jeux de mots à l’image des 2 principaux comédiens : on aime ou on déteste.

L’aliment far du cinéma : le chocolat

2008-04-19T17:25:00+02:00

Le chocolat depuis sa découverte au XVII° siècle est un aliment noble et rare. C’est un précieux trésor qui symbolise la richesse, la générosité, l’espoir. Dans Pain et chocolat de Franco Brusati (1973), Nino travailleur italien immigré, est condamné au chômage dans son pays et à la non-intégration en Suisse, où il y a du travail. D’abord serveur dans un restaurant, il perd son emploi à la suite d'un incident stupide. Expulsé vers l'Italie, il s'échappe du train qui le ramène et mène une existence clandestine, avec l'aide de son ex-voisine Elena, réfugiée grecque qui entreprend de l'aider à régulariser sa situation. Nino entre au service d'un compatriote milliardaire réfugié en Suisse. Ici le chocolat symbolise un pays, sa dimension économique. Quoi qu’il fasse, légalement ou clandestinement, Nino est seul, même s’il rencontre des compatriotes. Exclu des deux mondes, il en arrive à se demander qui il est. Avec Le Chocolat de Lasse Hallström joue sur le parfum du scandale. Un coquet petit village français, dans les années 50. Une mère célibataire ouvre une chocolaterie face à l’église. Le maire prude et intolérant voit dans l’établissement une succursale de l’enfer. Tout l’art du chocolat c’est de redonner goût à la vie, ranimer les passions éteintes.Fraise et chocolat de Tomas Gutiérrez Alea et Carlos Tabio (1993) aborde un tout autre thème : le goût amer du chocolat. En 1979, à la Havane, David est étudiant et communiste. Il aime la glace au chocolat. Diego, photographe, artiste dissident, aime les jolis garçons et les glaces à la fraise. Deux parfums, deux modes de vie. L’un et l’autre cherchent à se convaincre. Cette dualité permet de dresser un portrait amer et subtil de Cuba de l’époque : répression de l’homosexualité, mouchard, marché noir, paranoïa antiaméricaine. Meilleur que le chocolat de Anne Wheeler (1999) nous livre le meilleur goût du chocolat : sa saveur essentielle, joueuse et éveillant tous les sens. Elle narre l’histoire d’une jeune femme qui travaille dans une librairie dont l'arrière-boutique lui sert de chambre à coucher. Sa mère surgit chez elle, juste au moment où elle tombe amoureuse d'une peintre. La mère ignore que sa fille a loué l'appartement d'une experte en jouets érotiques, partie en tournée de conférences. Anne Wheeler rompt ainsi avec l’idée que le chocolat est meilleur que le sexe. Elle laisse la mère et la fille se parler, se découvrir et découvrir les plaisirs de la chair. Le chocolat est tout de même moins bon que le péché originel !

Rire de l’industrie alimentaire

2008-04-18T17:25:00+02:00

"Loin d’être constamment dans une critique acerbe de la société de consommation, le cinéma peut en rire et nous offrir de beaux moments ludiques. Avec La soupe aux choux de Jean Girault (1981), nous découvrons une fable alimentaire. Deux paysans, vivant en retraite à la périphérie d’un village, sont portés sur deux choses : la soupe au chou et le vin. Un jour l’arrivée d’un extra-terrestre bouleverse leur univers étriqué. Une enfilade de borborygmes, de rots, de flatulences nous conduit à réfléchir sur le partage. En 1966, le Grand restaurant de Jacques Besnard se joue des restaurants chics. Septime, patron d’un grand restaurant des Champs-Elysées, espionne et tyrannise ses employés. Les baisemains, les courbettes et flagorneries en tout genre sont réservés à la clientèle. A mesure des plats, nous prenons le pas de ces jeux de langage. Mais un jour tout bascule. La visite d'un chef d'Etat sud-américain vient bouleverser le quotidien. Le dictateur disparaît mystérieusement au dessert. Le propriétaire du restaurant est soupçonné par la police et poursuivi par des terroristes. Mais c’est à L’Aile ou la cuisse de Claude Zidi (1976) que revient le rôle le plus moderne de la critique gastronomique. Bien des années avant José Bové ou Jean-Pierre Coffe, Charles Duchemin (Louis de Funès) combat la « malbouffe ». Critique culinaire, il est le cauchemar des restaurateurs, qu’il traque sans relâche sous différents déguisements. L’ennemi numéro un s’appelle Tricatel, spécialiste de la cochonnerie industrielle. Duchemin s’est donné pour mission sacrée de combattre cet antéchrist de la gastronomie (qui crée des poulets en tube, des salades à partir de pâte verte, etc.).Plus proche de nous, plus contemporain, il nous faudrait évoquer longuement le film Super size me de Morgan Spurlock (2004). Le réalisateur, en pleine forme physique est prêt. C’est parti pour son premier Mac Déjeuner. Pendant un mois, il va manger chez McDonald. Ce documentaire, bâti chronologiquement autour du défi de son réalisateur, ne s’arrête heureusement pas à voir un type s’empiffrant de hamburgers. La majeure partie du film est constituée de différents reportages sur l’alimentation aux Etats-Unis, dans les écoles, les habitudes de consommation, les lobbys de l’industrie agroalimentaire, etc. C’est à la fois utile et indispensable à sa démonstration. La force de ce film est que Morgan Spurlock paie de sa personne. Il teste personnellement ce défi insensé et nous pouvons voir les changements qui le frappent tant physiologiquement que psychologiquement, avec l’avis et le regard des spécialistes à l’appui. C’est rythmé, ces démonstrations sont pertinentes et pleines de bon sens. Ne finissons pas cet article sur le goût amer de la société de consommation. Revenons au plaisir, à un plaisir en particulier : le chocolat."À suivre "L’aliment far du cinéma : le chocolat"

L’anthropophagie à l’écran

2008-04-17T17:20:00+02:00

"Avec Trouble Evry day Claire Denis joue sur la corde de la passion. L'image est séduisante, elle s'impose par son âpre sobriété. La réalisatrice pose sa caméra et embrasse le champ tel une Turner du cinéma. Précise et floue, elle montre l'intérieur et l'extérieur des personnages. C'est bien de ce conflit que semble vouloir traiter le film. Entre amour passionnel et amour cannibale la limite est ténue. Un suçon sur la peau, une morsure pas trop profonde, l'amour à mort, la "dévoration" de la chair désirée jusqu'à son paroxysme. Là est le vrai sujet, esquissé, esquivé, mais obnubilant : Coré, une femme très belle et très désirée, mange les hommes avec lesquels elle fait l'amour. Les images frôlent l'insoutenable. Elles nous interrogent. Bien que ce film soit à l’origine de nombreux débats, il ne va pas aussi loin que Cannibal Holocaust de Ruggero Deodato (1979). Il s’agit sans doute du film qui représente le mieux ces oeuvres poisseuses que chacun rêve de voir mais que personne n'ose visionner, de peur de braver un interdit quelconque, de franchir une limite qu'il vaut mieux ne pas franchir. Le film de Deodato évoque immanquablement des images terribles, des images d'ultra-violence, de viols, de tortures d'animaux, de climat insoutenable... Mais se nourrir c’est aussi cela : survivre.Le cuisinier, le voleur, sa femme et son amant de Peter Greenaway (1989) nous livre l’histoire d’une passion dévorante. Richard, chef cuisinier français, observe ses clients. Le voleur, Albert, vient tous les jours avec sa femme, Georgina. Un soir, Georgina remarque un dîner solitaire qui devient son amant. Dix jours, dix repas, dix menus, le cuisinier complice de la femme et de son amant, le voleur acharné à se venger… Ce savoureux cocktail donne lieu à un déferlement de cynisme, de sadisme, de mort, à une fable sur l’égoïsme. Frontière indicible entre le dégoût et le plaisir. Il en va de même dans le film Titus de Julie Taymor (1999), elle suit le drame shakespearien à la lettre tout en le transposant dans le temps. Tout se termine autour d’un repas au cours duquel les enfants sont hachés menus puis dévorés par leurs parents respectifs. Vengeance, cruauté, les mots sont à la bouche du déplaisir. L’anthropophagie au cinéma « met sur la table » la distinction entre le cannibalisme réel (fait culturel institué propre à certaines sociétés) et le cannibalisme imaginaire, présent dans les productions mythiques et les contes des sociétés les plus diverses. Les mythes grecs, aussi bien que les contes amérindiens ou africains, sont remplis de thèmes tels que ceux de l’ogre, de la dévoration des descendants, de l’autocannibalisme. Ces films nous montrent que ces fantasmes renvoient à d’autres catégories, qui mettent en jeu, par exemple, la nécessité de l’exogamie ou les oppositions entre le comestible et le non comestible, entre la nature et la culture.Pour compléter ce tableau, il nous faut faire le lien avec nos comportements alimentaires et pourquoi ne pas les pousser à l’excès comme dans La Grande Bouffe de Marco Ferreri (1973) ? Féroce satire des débuts de la société de consommation : quatre bourgeois, quatre amis (un juge, un restaurateur, un animateur de radio) décident d’appliquer à la lettre les oukases de la société de consommation. Sexe et bouffe. Bouffe, bouffe à outrance jusqu’à en mourir. Initiation à l’envers, fondée sur le mépris de soi et des autres." À suivre "Rire de l’industrie alimentaire"

Les saveurs du passé

2008-04-16T17:10:00+02:00

"Les arts de la table, les assortiments de saveurs sont autant de bruissements du temps. Nous sommes aujourd’hui, hier a doucement chu, demain arrivera de sa verte démarche. Nous suivons les couteaux des cuisiniers, nous dessinons les saveurs des tomates sur un air italien dans Drei Sterne (Chère Martha) de Sandra Nettelbeck. Mais la cuisine outre les sentiments c’est une évocation du passé, une ode aux plaisirs gustatifs du temps et de l’histoire. Avec Vatel (2000) de Roland Joffré, nous suivons les délices les plus fous d’un cuisinier de génie opérant à la cour du roi-Soleil. Nous sommes en 1671, Vatel doit organiser de somptueuses agapes pour toute la cour. Des impondérables réduisent à néant les festivités. Plongée au cœur de l’histoire, nous découvrons l’art de la création des recettes et des plats en sauce.Tampopo (1986) de Juzo Itami, nous entraîne au cœur de la création contemporaine des soupes. Même si la recette du film est assez simple, elle nous fait découvrir les méandres du temps et de l’effacement des blessures. Ecoeuré par la médiocrité de sa soupe aux nouilles, qui manque de « corps et de tonus », un routier de passage décide d’aider une jeune veuve restauratrice à améliorer la qualité de sa cuisine. Juzo Itami peint ainsi savoureusement les rites culinaires japonais. Nous apprenons ainsi à déguster comme il faut la fameuse soupe aux nouilles, qui nous redonne une âme. Il faut caresser avec les baguettes la surface du bouillon, pour apprécier la brillance des pousses de bambou, le velouté des algues qui sombrent peu à peu, la fierté des oignons flottant, avant d’effleurer trois tranches de porc rôti, puis commencer à aspirer les nouilles, charnues et généreuses. Avec Beignets de tomates vertes de Jon Avnet (1991), Ninny, une octogénaire, raconte à une ménagère l'histoire de deux jeunes femmes qui, dans les années 30, pendant la dépression aux Etats-Unis, eurent l’idée d'ouvrir un restaurant. Ainsi Ruth rencontre Idgie. L’une quitte son mari violent. L’autre soutient la cause des Noirs. Pour la bourgade où elles se trouvent cela fait beaucoup, elles décident ainsi d’ouvrir le Whistle Stop Café dont la spécialité est les beignets de tomates vertes. Saveurs d’Antan, les tomates sont fondantes, baignées dans une huile troublée qui fera face à l’histoire et aux ségrégations. Clore une histoire, achever les rêves d’enfance, c’est que Le Dîner de Ettore Scola (1998) réussit fort bien. Dans une trattoria élégante viennent mourir les dernières utopies. Fanny Ardant est Flora la maîtresse du lieu. Elle est une sorte de cœur en hiver que courtise depuis toujours un maestro impérial et inutile. Parmi les clients : un professeur de philosophie revenu de tout, notamment de sa trop jeune maîtresse, enseignait que « l’esprit fait le corps tout entier », il n’y croit plus. Une croqueuse d’hommes s’effondre quand sa fille lui avoue vouloir porter le voile. Véritable antichambre de la mort, nous saisissons en plein vol les contradictions de Flora qui, au lieu de saisir l’amour passant à sa portée s’en détourne, lui préférant les enjeux sans risque d’une partie de scopa avec le maestro. Évidemment pour dresser un tableau complet du lien entre les saveurs culinaires et l’art du passé, il me faudrait évoquer ici Kitchen Stories de Bent Harmer (2003) ou encore Dinner for one ou Le 90e anniversaire de Heinz Dunkhase (1963). Autant d’amuse-bouche agréable qui ne nous font pas penser à l’autre art culinaire adoré et cultivé par le cinéma : l’anthropophagie."À suivre l'anthropophagie au cinéma

Le cinéma se met à table !

2008-04-15T16:55:00+02:00

En plusieurs morceaux de choix, devrions-nous dire, nous allons vous faire découvrir un article de Sonia Bressler, sur le lien entre cinéma et les arts de la table. Nous allons ainsi tantôt savourer, tantôt dévorer le lien culinaire entre plusieurs films... Que disons-nous ? À Table !"Drôle de paradoxe que les films qui évoquent la cuisine. Le cinéma est, avant tout, le plaisir des yeux, comment peut-il réussir à nous faire dévorer des plats ? Quel rôle ont les images dans le plaisir gustatif ? Les films où la cuisine a le rôle titre sont souvent un régal pour les yeux. Parfois ils nous font mourir de rire. D’emblée, nous sommes dans une dualité sensorielle mais aussi culturelle. Ils nous familiarisent avec d'autres univers, mais peuvent aussi nous couper l'appétit. Ils mettent en scène aussi bien la sensualité que la passion dévorante, voire la vengeance amère. Jouant sur cette dualité, il s’agit ici de mettre en scène différents films traitant de la cuisine ou de l’art culinaire afin d’en orchestrer tous les sens, toutes les saveurs. Ainsi en comprendrons nous toute la dimension anthropologique.L’amour à la tableLes douleurs de l’amour et l’art de la table se cuisinent et se savourent au cinéma sans modération. Nos yeux de spectateurs se ferment sur des larmes imaginaires et nous sommes même capables de dévorer des plats et d’en ressortir l’extase. Alfonso Arau réussit, en 1992, cet exploit dans les épices de la passion (Con Agua Para Chocolate). En 1895, Tita naît sur une table de cuisine. Benjamine de la maison, elle est vouée à servir sa mère et, donc, au célibat. Cette adaptation du roman de Laura Esquivel explore les saveurs d’une passion plus forte que le temps. Elle abolit littéralement la frontière entre le sexe et la nourriture. Tita doit préparer un repas et le servir, sans y participer. Sa famille est là, ainsi que l’homme qu’elle aime. Pour faire passer son message au jeune Pedro, elle met tant d’amour dans sa cuisine, tant de sensualité, que tous ceux qui goûtent sa cuisine ont un orgasme.Comment ne pas penser ici au délicieux Quand Harry rencontre Sally de Rob Reiner (1989) ? Déboussolés comme des enfants soudain lâchés dans la cour des grands, Harry et Sally hésitent entre le jeu de l’amour et du hasard et celui du chat et de la souris. Ils se sont rencontrés à l’université de Chicago. Ses grandes chaussettes de laine défiaient quiconque de trouver du charme à Sally. Harry avait pour salle habitude de cracher bruyamment des pépins de raisin et de tenter sa chance auprès de toutes les femmes. Autour d’une table, ils évoquent leurs vies parallèles. Sally est maniaque à table. Tout doit être servi séparément. Et pourtant demeure cette scène mémorable de son orgasme simulé dans le restaurant «Katz's Delicatessen» à New York. Un morceau d'anthologie. Dans un tout autre registre, les Mille et Une Recettes du cuisinier amoureux (1997) de Nana Djordjadzé, nous entraîne dans l’amour de l’art. Ce film prône l’amour de la chair et de la bonne chère comme acte de résistance. Lorsque les staliniens envahissent la Géorgie, le héros, patron d’un restaurant réquisitionné, résiste. Non en prenant les armes, mais tout simplement en notant des recettes sur des feuilles de papier. Il a cette phrase magistrale « les communistes disparaîtront, la bonne cuisine, jamais ». L’art comme la cuisine sont les seules armes, douces mais imparables, pour lutter contre les malveillants. Evoquer l’art de la table, l’amour et la joie qu’il procure, ne peut se faire sans parler du film le Festin de Babette de Gabriel Axel (1986). Issue d’une nouvelle de Karen Blixen, il narre l’arrivée de Babeth, fuyant les répressions de la Commune, chez deux sœurs très pieuses d’un village isolé du Danemark. Elle y découvre des habitants tristes. Sans saveurs, réduits à se nourrir exclusivement de la morue bouillie. Un jour, Babette remporte à la loterie. Pour exprimer sa reconnaissance, elle décide d’offrir à la communauté, épouvantée, un vrai repas. Son menu est le suivant : soupe à la tortue, blinis Demidoff, cailles en sarcophage, arrosées de Clos Vougeot. Autant de délices ignorés remplissent les habitants d’un bonheur et d’un ravissement. Avec ce festin, ils découvrent la vie et ses joies.Autre festin, autre angoisse. Ang Lee, avec Salé sucré (1994) nous plonge au cœur de la cuisine de monsieur Chu. Eminent cuisinier et respectable veuf. Il vit avec ses trois filles dans la grande maison familiale de Tapei. Viandes rutilantes, légumes finement sculptés, pâtes pétries, rôties, fumantes… Tous nos sens sont en éveil, au fur et à mesure que M. Chu perd les siens. Enfermé dans un digne refus du présent ou « refoulé comme une tortue » comme le souligne un ami cuisinier. Son goût, si raffiné, si exceptionnel, s’efface peu à peu, symbole de son angoisse face à la mort, de la vacuité d’une vie passée à exceller dans un art périssable. "À suivre "les saveurs du passé"

Le Goût de la vie / No Reservations de Scott Hicks

2008-03-23T15:00:00+01:00

Le Goût de la vie / No Reservations de Scott Hicks (sorti en France en septembre 2007, 1h43. Avec Catherine Zeta-Jones, Aaron Eckhart, Abigail Breslin... Ce film est le remake du film « Chère Martha » de Sandra NettelbeckKate règne sur les cuisines du 22 Bleecker, un des restaurants les plus cotés de Manhattan. Inventive et exigeante, précise et rigoureuse, elle mène sa petite équipe à la baguette et accomplit chaque soir de nouveaux prodiges dans une ambiance studieuse et concentrée. Consciente de ses mérites, elle se veut irréprochable et ne s'autorise aucun relâchement. Son perfectionnisme fait l'admiration de tous, mais intimide les hommes et décourage les avances. Fréquemment levée avant 5 heures, jamais couchée avant minuit, Kate mène une existence quasi monacale...Après la mort soudaine de sa soeur cadette, Kate recueille et prend en charge sa nièce, Zoe, 9 ans, en faisant de son mieux pour l'aider à surmonter l'épreuve. Mais la fibre maternelle lui fait cruellement défaut, et ses efforts les plus méritoires se heurtent à la résistance polie de la fillette, qui lui reproche d'en faire trop.De retour au restaurant après une semaine d'absence, Kate a la désagréable surprise de trouver en cuisine un nouveau sous-chef : Nick, blagueur et exubérant, braillant à pleins poumons des airs de Verdi et Puccini pour la plus grande joie du personnel...

Martine Delpon : Insoumise

2008-03-22T14:45:00+01:00

Lucie : En quoi consiste votre travail au sein du Festival ?
Martine Delpon : Ca va faire 20 ans en 2009 que j’ai été embauchée sur le Festival International de Films de Femmes. Depuis une dizaine d’années, j’ai mis en place une activité un peu particulière dans les quartiers de Créteil, une activité d’animation qui est l’éducation à l’image, un travail avec les femmes de Créteil pour les amener à voir une séance de cinéma par mois avec un débat, des films de femmes mais pas forcément.
J’ai également développé des ateliers d’initiation de stage vidéo. C’est une initiation à l’image où, pendant huit jours, elles apprennent à se servir de la caméra et à faire un film : on a fait des petits films de stage puis ça s’est transformé en « vidéo 1 minute ».

Gaëlle : Qu’est ce que « les vidéos 1 minute » ?
M.D. : Pendant le stage, toutes les femmes font une vidéo 1 minute sur le même thème puis celles qui ont voulu continuer après les stages à avoir une activité en vidéo sont devenues les vidéos femmes de Créteil. En plus, elles ont développé avec moi une partie de théâtre. Depuis deux ans, elles ont monté deux projets : le premier sur l’amour qui s’appelait « Moi c’est Juliette, Roméo parti » et le second c’est « Le cabaret des insoumises » que vous allez voir dimanche.
Pour en revenir aux vidéos, chaque année, les vidéos 1 minute ont un thème différent : cette année c’est « les insoumises». Elles ont donc toutes travaillé sur ce sujet et c’est pour ça qu’après on a réfléchi et j’ai eu envie de mettre en place le cabaret qui s’appelle lui aussi « les insoumises ». L’année prochaine, le thème sur lequel nous allons travailler sera « les péchés ».

Elisa : Pouvez vous nous parler du « Cabaret des insoumises » ?
M.D. : Le cabaret des insoumises, c’est un projet que j’avais en tête depuis très longtemps : tous les ans, on peut faire un ou deux cabarets avec une thématique différente. Elles sont maintenant seize femmes des quartiers de Créteil de toutes origines qui sont non-professionnelles bien sûr et qui ont travaillé dans des ateliers théâtre et danse.
Dans le Cabaret des insoumises, il y a de la chorégraphie comme dans tous les cabarets : des petits numéros de 2-3 minutes. En théâtre, elles ont appris à improviser ce qu’était leur propre insoumission et elles l’ont mise en scène. Chacune d’entre elles a une expression personnelle sur sa propre insoumission ce qui donne un ensemble assez étonnant d’ailleurs : des paroles très vraies, très fortes de ces femmes qui osent dire leur insoumission alors qu’elles n’y auraient pas forcément pensé auparavant. Ca devient donc un projet très puissant. Le spectacle dure 50 minutes avec du chant, de la danse orientale, des poèmes…
Le cabaret, j’ai eu envie de le faire tourner en France et si possible dans des villes partenaires avec lesquelles on pourrait travailler et qui nous accueilleraient. Il est aussi question d’en faire une activité permanente et qu’il y ait au moins chaque année un ou deux cabarets crées et diffusés sur Créteil.

Lucie: Pouvez vous nous expliquer ce qu’est le réseau des films de femmes ?
M.D. : J’ai essayé de dynamiser un réseau en France : à Nantes, Montreuil, Boissy-Saint-Léger. Il y a trois groupes qui fonctionnent déjà de la même façon. Et puis maintenant, il y a le groupe partenaire de Turin : les femmes d’almateatro chez qui on est allé jouer « moi c’est Juliette, Roméo parti ». C’est comme ça qu’on les a connues, ce sont des femmes immigrées qui font du théâtre. Et elles vont venir à Créteil : elles arrivent aujourd’hui. Il y a également des femmes qui viennent de Mataró, une ville jumelée avec Créteil et qui ont aussi fait des vidéos.
Le réseau… Il est déjà informel c'est-à-dire que chaque année, vous avez énormément d’organisatrices d’autres festivals de films de femmes qui viennent à Créteil. Cette année, on a voulu formaliser d’avantage : on va faire une véritable réunion,pour réfléchir ensemble à ce que l’on fait chacune d’entre nous que ça soit en Italie, en Suède, en France et en Espagne. On réfléchira également sur les projets qu’on pourrait mettre en commun : les vidéos 1 minute justement qui sont parties de Barcelone au départ. C’est leur projet à elles : moi je l’ai continué à ma façon. Ce projet-là par exemple pourrait devenir un programme qui tourne si chacune d’entre elles produit des vidéos 1 minute.
Il y a une réunion demain à 11 heures. Après, on présente les vidéos 1 minutes puis il y a un débat public de présentation du réseau et on va essayer d’élaborer ensemble des actions communes que l’on pourrait mettre en place au cours de l’année.

Interview réalisée par Lucie Bellenger, Gaëlle Delarbre et Elisa Sabban

Demain à 15h30, retrouvez le Cabaret des Insoumises, à la Maison des Arts de Créteil, Place Salavador Allende, 94000 Créteil

En savoir plus sur les "insoumises" et les Vidéo Femmes, rendez-vous là !

Chère Martha

2008-03-21T14:55:00+01:00

Chère Martha de Sandra Nettelbeck (fiction, sortie en 2004)Avec Martina Gedeck, Sergio Castellitto, Maxime FoersteLa vie quotidienne de Martha, charmante chef cuisinière passionnée par son métier, est plutôt monotone. Elle réalise de vrais chefs-d'oeuvre culinaires aux fourneaux d'un restaurant de Hambourg. Mais brusquement l'existence de cette jeune femme introvertie bascule... La réalisatrice se joue alors des aliments et du goût de la vie pour nous livrer une histoire pleine de sel.

Jane Campion

2008-03-13T13:10:00+01:00

Réalisatrice, Producteur délégué, Scénariste, Monteuse, Régisseur adjoint néo-zélandaise. Née le 30 Avril 1954 à Wellington (Nouvelle-Zélande)

Anthropologue de formation, Jane Campion se destine d'abord à la peinture en même temps qu'elle multiplie les expériences théâtrales. Elle se dirige finalement vers le cinéma et la réalisation, suivant des cours à l'Australian Film Television and Radio School de Sidney, en Australie. Dès son premier court-métrage, Peel, écrit et réalisé en 1982, elle remporte le Prix de la spécialité au Festival de Cannes. Ses courts-métrages suivants seront d'ailleurs tous primés.

C'est en 1989 que Jane Campion écrit et réalise son premier long métrage, Sweetie. Présentée en compétition au Festival de Cannes, l'oeuvre suscite des réactions controversées, notamment en raison de l'âpreté de son sujet. C'est son second film, An Angel at my table (prix spécial du Jury à Venise en 1990), évocation de la vie tragique de la romancière néo-zélandaise Janet Frame, qui lui apporte une véritable notoriété.

Jane Campion poursuit dès lors la peinture d'une galerie de personnages féminins en marge avec La Leçon de piano, en 1992. Elle devient avec ce film la première réalisatrice à décrocher la Palme d'Or à Cannes. Plus de trente prix internationaux - dont le César du meilleur film étranger en 1994 - complètent le palmarès de cette oeuvre qui révèle la comédienne Holly Hunter.

En 1996, Jane Campion adapte Henry James en réalisant Portrait de femme, drame historique sur les conventions victoriennes avec Nicole Kidman en vedette. Eloignée des plateaux durant trois ans, la cinéaste revient en 1999 à son thème de prédilection avec un road-movie philosophique, Holy Smoke, écrit en compagnie de sa soeur Anna. Ce film, centré autour de l'enfance et de variations sur la féminité, se rapproche davantage de ses premiers essais à l'univers décalé et baroque.

En 2003, Jane Campion signe In the cut, un thriller érotique porté par Meg Ryan et Geoffrey Rush.

Filmographie

* 1982 : An Exercise in Discipline - Peel
* 1983 : Passionless Moments
* 1984 : Mishaps of Seduction and Conquest (vidéo)
* 1984 : A Girl's Own Story
* 1984 : After Hours
* 1986 : Two Friends (TV)
* 1986 : Dancing Daze (série TV)
* 1989 : Sweetie
* 1990 : An Angel at My Table (feuilleton TV)
* 1990 : Un ange à ma table (An Angel at My Table)
* 1993 : La Leçon de piano (The Piano)
* 1996 : Portrait de femme (The Portrait of a Lady)
* 1999 : Holy Smoke
* 2003 : In the Cut
* 2006 : The Water Diary

Récompenses

Prix du meilleur court-métrage lors du Festival de Cannes 1986 pour An Exercise in Discipline - Peel.
Nomination à la Palme d'or lors du Festival de Cannes 1989 pour Sweetie.
Prix FIPRESCI lors du Festival international du film de Toronto 1990 pour An Angel at My Table.
Grand Prix Spécial du Jury lors de la Mostra de Venise 1990 pour An Angel at My Table.
Palme d'or lors du Festival de Cannes 1993 pour La Leçon de piano.
Prix du meilleur film, meilleure réalisatrice et meilleur scénario, lors de l'Australian Film Institute 1993 pour La Leçon de piano.
Prix de la meilleure réalisatrice et du meilleur scénario lors des New York Film Critics Circle Awards 1993 pour La Leçon de piano.
Prix du film le plus populaire lors du Festival international du film de Vancouver 1993 pour La Leçon de piano.
César du meilleur film étranger en 1994 pour La Leçon de piano.
Nomination au Golden Globe de la meilleure réalisatrice et du meilleur scénario en 1994 pour La Leçon de piano.
Oscar du meilleur scénario et nomination à l'Oscar de la meilleure réalisatrice en 1994 pour La Leçon de piano.
Prix du meilleur film étranger lors des Kinema Junpo Awards 1995 pour La Leçon de piano.
Prix Elvira Notari et nomination au Lion d'or de Saint Marc lors de la Mostra de Venise 1999 pour Holy Smoke.

Les Soeurs jumelles

2008-02-24T15:10:11+01:00

Vous le savez, la première du cabaret des Insoumises a été un véritable succès... Merci à tous d'être venus, désormais nous attendons, la trentième édition du Festival International de Films de Femmes, pour nous produire à nouveau. Dans une salle plus grande, avec de nouveaux effets spéciaux... Mais en attendant voici le numéro des "soeurs jumelles" filmé, en coulisses, par Françoise Seroin.

”Gone Baby Gone”

2008-01-06T19:20:07+01:00

Note : 8/10S’il y avait bien quelque chose à laquelle je ne m’attendais pas en ce tout début d’année 2008, c’était d’aller voir un film réalisé par Ben Affleck (oui, oui, l’acteur marié à Jennifer Garner et qui a joué dans Dare Devil ou Pearl Harbor) et qui, en plus, soit bon. Comme quoi les préjugés…Gone Baby Gone est une réussite à plus d’un titre : d’abord pour un premier film, en plus signé Ben Affleck (relativisons toutefois : railler la carrière hollywoodienne d’Affleck serait un peu facile, ce serait en outre oublier un peu vite qu’il écrivit voici dix ans déjà le scénario de Will Hunting réalisé par Gus Van Sant). Mais, plus fondamentalement, Gone Baby Gone est une excellente surprise pour ses qualités intrinsèques. D’abord, il s’agit d’une plongée comme seuls les films américains (les bons) savent nous en offrir, au cœur d’une communauté bigarrée (ici Boston) dont le seul point commun est de partager des destins glauques et un peu brisés. C’est peut-être d’ailleurs cette étude intimiste, sociologique, presque poétique et élégiaque tout à la fois, qui fait l’intérêt principal du film, plus encore que l’intrigue elle-même (l’enlèvement d’une petite fille et la tentative d’un couple de jeunes détectives sans expérience mais issus du "quartier" de la retrouver), au demeurant pleine de rebondissements. Ensuite, le film touche juste par le jeu de ses acteurs, pour la plupart excellents. Casey Affleck bien sûr, dont le physique de jeune premier un peu lisse tranche avec le rôle qu’il incarne, sans que pourtant cet équilibre improbable ne bascule jamais dans le ridicule ou simplement l’invraisemblable ; Ed Harris ensuite, qui est comme souvent plus que convaincant, sans oublier Morgan Freeman (cela faisait un moment que l’acteur n’était plus apparu dans un film policier) dont la rectitude et la probité ne sont jamais remises en doute par le spectateur. Enfin, Gone Baby Gone séduit par les questions qu’il pose. Ces questions sont sciemment très manichéennes ("qu’est-ce qui est bien ? qu’est-ce qui est mal ?") et chacun des personnages incarne l’une des attitudes possibles face à des choix moraux compliqués. Par ce procédé très simple voire simpliste, Affleck oblige le spectateur à se positionner et s’interroger sur ce que lui-même ferait ou pense. Adopterait-il une attitude ou un jugement aussi tranché que tel ou tel protagoniste ? In fine, dans quel camp se place-t-il ? Alors même que le procédé est simpliste, poser ainsi la question revient en fait à faire vaciller nos croyances et, au contraire, laisser la part belle à nos doutes. En ce sens, par cette mise en scène de choix cruciaux et cette esquisse de réflexion morale, le film de Ben Affleck rappellera les questionnements obsessionnels de Clint Eastwood (le parallèle est d’autant plus évident que Gone Baby Gone est au départ un roman de Denis Lehanne, qui est également l’auteur de Mystic River, adapté par Eastwood voici quelques années). S’il fallait résumer Gone Baby Gone, et lui trouver une morale, peut-être serait-ce la suivante : il ne faut pas se fier aux apparences. C’est vrai pour Ben Affleck lui-même, qu’on n’attendait pas là, c’est vrai pour le principal protagoniste du film, un tout jeune détective de 31 ans que les policiers prennent d’abord de haut et sur lequel personne ne mise un dollar, c’est vrai pour l’intrigue du film, aussi apparemment linéaire qu’en réalité tortueuse et n’ayant, jusqu’au bout, jamais complètement fini de se dérouler, c’est vrai enfin pour le dispositif du film, volontiers dualiste et manichéen en surface mais après tout plus subtil et nuancé qu’il n’y paraît. Décidément le cinéma américain sait être complexe, narratif, efficace, et puis surtout il sait mettre en scène ses acteurs et les faire évoluer au sein d’une intrigue et de dialogues réussis. Force est de constater que toutes ces qualités, la plupart du temps, manquent au cinéma français. Que ce soit Ben Affleck qui, cette fois-ci, vienne nous le rappeler ne manque pas d’ironie.

Belle & Heureuse année 2008

2007-12-31T19:50:00+01:00

Belle & Heureuse année 2008Frohes neues Jahr新年快樂Gelukkig nieuw jaarسنة جديدة سعيدةΕυτυχισμενο το νεο ετοςFelice anno nuovoあけましておめでとう행복한 새해Feliz ano novoУдачи в новом годуFeliz año nuevo

And the winners are... A REBOURS' 2007 top three

2007-12-31T12:51:37+01:00

Comme l’année dernière, je vais me risquer à un classement de mes œuvres préférées en 2007. Mais ce sera un top three cette fois, parce que cinq finalement ça fait trop !La règle est simple : il s’agit de disques et de films que j’ai chroniqués courant 2007 sur ce blog et qui sont sortis en 2007. Tout le reste est exclu.Pour ce qui concerne les livres, j’ai lu trop d’essais cette année et pas suffisamment de fiction, par conséquent je ne puis établir de classement représentatif. Et puis peut-être cette année littéraire a-t-elle été moins riche que la précédente, qui avait vu la parution des Bienveillantes de Littell ainsi que des derniers Kazuo Ishiguro et Tom Wolfe ? Je laisse mes lecteurs trancher ce débat… MusikEn n° 3, je place Devendra Banhart et son Smokey Rolls Down Thunder Canyon. Un album riche et diversifié, parfois un peu trop hétéroclite, mais qui enrichit joliment l’univers déjà ample du chanteur psyché-folk. En n°2, je place Cornelius et son opus Sensuous. Il nous fera peut-être danser ce soir pour le Réveillon, il saura également nous bercer au moment d’aller nous coucher. Bref il nous fera passer par toutes les couleurs de l’arc-en-ciel grâce à sa propension à combiner différents styles musicaux, d’une façon à la fois déconcertante et fraîche. En n°1 enfin (cela ne surprendra personne), je place Radiohead et leur ultime In Rainbows. Tant pour la beauté du geste (avoir mis à disposition leur album sur Internet, en proposant à l’auditeur de le télécharger pour le prix qu’il estime juste, y compris gratuitement) que pour la musique elle-même. In Rainbows n’est pas un chef d’œuvre (trois titres au moins auraient pu sauter) mais il surpasse de loin le reste de la production discographique de l’année. Clin d’œil à No Shouts No Calls d’Electrelane et surtout Mestro de Hurtmold, qui sont eux aussi de très bons albums parus cette année. Films En n°3, je place INLAND EMPIRE de David Lynch. Je ne l’ai pas encore revu depuis sa sortie en salle, je ne sais donc toujours pas quoi en penser réellement. Mais il m’a pas mal travaillé depuis, c’est à mon avis suffisant pour le faire figurer dans le palmarès. En n°2, je place Les promesses de l’ombre de David Cronenberg. Un film pour le moins efficace, mais aussi beaucoup moins simple et linéaire qu’il n’y paraît. La maîtrise de la réalisation, le talent des comédiens, autant d’éléments qui impressionnent et nous laissent admiratifs.En n°1 enfin, Lettres d’Iwo Jima de Clint Eastwood. Avec ce film, le réalisateur clôt son diptyque magnifique sur un épisode particulièrement tragique de la guerre du Pacifique. En ces temps extrêmement manichéens, Eastwood donne à réfléchir sur les thèmes de la mémoire, du patriotisme, de l’Autre avec subtilité et nuance. Je dis bravo. Clin d’œil à Paranoid Park de Gus Van Sant qui mérite également d’être vu.

Fredric Jameson ”La totalité comme complot” (2)

2007-12-27T14:25:40+01:00

La fois dernière, j’ai commencé à chroniquer La totalité comme complot, de Fredric Jameson. J’en étais resté au moment (passionnant ;-) où je disais que cet ouvrage est bien sûr une analyse cinématographique, mais qu’il n’est pas que cela.En effet, les analyses de Jameson évoquent également Thomas Pynchon, et plus particulièrement son roman Vente à la criée du lot 49, de même qu’ils lancent d’autres pistes de réflexion sur la société moderne puis postmoderne et la thématique du complot, prenant plus particulièrement pour paradigme l’assassinat de JFK : "Dans un autre texte, j’ai suggéré que l’assassinat politique paradigmatique des temps modernes (en Occident en tous cas) – celui de John Fitzgerald Kennedy – ne doit pas sa résonance à la signification politique de Kennedy (…) ce qui a rendu possible l’association presque systématique de l’assassinat en général avec cet assassinat particulier, ce fut l’expérience des médias : pour la première fois dans leur histoire, ils rassemblèrent pendant plusieurs jours une énorme collectivité, et nous donnèrent un aperçu d’une sphère publique utopique encore à venir."Ces réflexions m’ont immédiatement fait penser à un ouvrage de Jean-Baptiste Thoret paru en 2003 chez Rouge Profond, qui s’intitule 26 secondes : l’Amérique éclaboussée (l’assassinat de JFK et le cinéma américain). Dans cet ouvrage, Thoret évoque le petit film amateur (d’une durée de 26 secondes) de Zapruder et montre comment cette séquence va irradier tout le cinéma américain postérieur, en inoculant le soupçon dans un univers jusqu’ici "innocent". J’ai repris 26 secondes et consulté l’index : le nom de Jameson y apparaît à plusieurs reprises, ce qui montre que Thoret connaissait évidemment les ouvrages (alors non traduits en français) de Jameson et que sa réflexion s’est inspirée des thèses de l’auteur américain. Ce qui était particulièrement intéressant dans le livre de Thoret, c’était qu’il reliait cet événement fondateur (l’assassinat de JFK) à un autre événement selon lui tout aussi majeur : les attentats du 11 septembre 2001. Cela rajoutait donc un "étage" au raisonnement de Jameson, dont l’ouvrage date des années 90 (et qui n’avait donc pu anticiper cette catastrophe). Thoret montrait qu’avec l’effondrement des tours du World Trade Center, un cycle (qui s’était ouvert avec la mort de JFK) s’achevait : "En 1963, le crâne du président des Etats-Unis constitue sans doute le centre du monde, il est dans l’imaginaire collectif le point nodal d’où partent les décisions, la matrice dirigeante. L’effet gore du film de Zapruder résulte précisément de ce constat : si le pouvoir est encore le fait d’un homme en chair et en os, l’image de sa destruction, elle, sera organique. Dans l’économie visuelle et politique des images du 11 septembre, les deux tours du WTC valent pour le crâne de JFK. Elles sont le nouveau centre d’un monde-réseau. (…) Mais le centre dont il s’agit est sans visage (…) donc forcément désincarné (…), un centre économique surtout : un réseau. Et lorsqu’il s’effondre, ce n’est plus de la chair qui éclabousse l’écran, mais de la poussière et des torrents d’informations."Ici nous quittons la sphère du cinéma, et même de la représentation, pour pénétrer dans le champ du politique. C’est, de fait, ce dernier niveau qui est traité in fine dans La totalité comme complot : car finalement, qu’est-ce que cette "totalité" dont il est question ? Jameson utilise cette jolie formule : "ce que Hegel, en procédant à son inventaire, appelait l’Esprit absolu, il faut de notre point de vue l’identifier désormais au Capital ; désormais c’est l’étude du Capital qui est notre véritable ontologie. Le nouveau système mondial, le troisième stade du capitalisme, est pour nous la totalité absente, le ‘Dieu ou la nature’ de Spinoza, le référent ultime (et peut-être le seul), le véritable fondement de l’Etre de notre temps."Totalité absente ou totalité perdue ? Est-il encore possible de recoller les morceaux, re-agencer les fragments épars d’un monde et d’une culture en train de se perdre ? Ce sont ces questions plus que jamais d'actualité que pose Jameson, et c’est à nous tous, qui sommes entrés dans le nouveau "cycle" de l’après 11 septembre, de tâcher d’y répondre.

Fredric Jameson ”La totalité comme complot” (1)

2007-12-24T14:03:52+01:00

Les Prairies ordinaires, et plus particulièrement la collection "Penser/Croiser", dirigée par Rémy Toulouse et François Cusset (l’auteur de French Theory), cherchent de toute évidence à combler ce qu’ils considèrent être des manques dans l’édition française : 1/ faire état d’une critique en sciences humaines et sociales venue d’ailleurs, notamment de Grande-Bretagne et des Etats-Unis : critique d’ailleurs souvent issue d’un mouvement baptisé French Theory (il s’agit en fait d’une (re)lecture anglo-saxonne des travaux des grands penseurs français des années 60-70, Foucault, Deuleuze et Derrida en tête). Bref sortir de cet "esprit de clocher" qui caractériserait la France, un peu comme d’autres initiatives récentes dont j’ai déjà eu l’occasion de parler. 2/ rompre avec la "pensée tiède" (pour reprendre le terme de Perry Anderson) des années 80, qui ne verrait d’alternative possible à l’économie de marché et au néolibéralisme et qui symboliserait une certaine "défaite de la pensée". Assumer, donc, une démarche militante et critique. C’est dans ce contexte qu’il faut recevoir le texte de Fredric Jameson, universitaire américain engagé à gauche, dont l’ambition est de mieux comprendre le "postmodernisme" dans lequel nous baignons tous. Il faut également noter que La totalité comme complot ne constitue pas, à l’origine, un ouvrage à part entière : il n’est que le premier chapitre d’un livre plus volumineux (non traduit à ce jour) : The Geopolitical Aesthetic: Cinema and Space in the World System (1992). Au premier abord, ce texte très intéressant (sous-titré : Conspiration et paranoïa dans l’imaginaire contemporain) pourrait n’apparaître que comme une lecture, souvent brillante, d’œuvres cinématographiques nord-américaines des années 70 et début 80 : plus particulièrement Les hommes du Président (Alan J. Pakula), Les trois jours du Condor (Sydney Pollack), Blow Out (Brian de Palma), Conversation secrète (Francis Ford Coppola) ou Videodrome (David Cronenberg). Selon Jameson, ces films mettent en évidence le rôle central joué par l’information. Les technologies de communication sont ainsi omniprésentes dans ces films, avec leur corollaire les médias, mais ce sont également d’autres éléments comme les transports (grands réseaux de trafic) et l’architecture (parkings caverneux, salles de rédaction, notamment celle du Washington Post dans Les hommes du Président) qui permettent de "quadriller" et "cartographier" l’espace et de proposer une "radiographie des médiations fonctionnelles dans l’espace ". En plaçant de tels phénomènes au cœur de leur intrigue, ces films révèlent une structure décentralisée et basée sur le réseau, structure qui permet de mettre en scène le motif du "complot" : ce motif "a retrouvé un second souffle, comme structure narrative susceptible de réunir les deux composantes fondamentales : un réseau potentiellement infini, ainsi qu’une explication plausible de son invisibilité ; en d’autres termes, le collectif et l’épistémologique." Qui dit complot dit aussi mise en place d’un système tripartite : le détective, la victime et le meurtrier. Comme le note Nicolas Vieillescazes dans sa préface, "les films de complot, où le détective se trouve pris au piège d’une machination sans sujet dont les ramifications paraissent se perdre à l’infini, ou encore dans un complot si total qu’il semble n’avoir plus de référent (et d’ailleurs, y a-t-il effectivement complot ?), fonctionnent comme un analogon de notre cauchemar quotidien : ce système où l’on n’arrive jamais à en finir de rien, comme disait Deleuze (…) ce monde où la chaîne des responsabilités est si complexe qu’il paraît futile de s’en prendre à George Bush ou à Nike". Mais Jameson est encore plus subtil : de ce triangle narratif formé par le détective, la victime et le meurtrier, il parvient à montrer en s’appuyant sur Videodrome qu’il ne s’agit pas forcément d’un schéma statique : "dans Videodrome, la catégorie de personnage individuel se modifie, car c’est une collectivisation des fonctions individuelles aussi absolue que possible qui est visée : non plus une victime individuelle mais tout le monde ; non plus un méchant individuel, mais un réseau omniprésent ; non plus un détective individuel investi d’une mission particulière, mais plutôt quelqu’un qui se retrouve là-dedans par erreur, comme ç’aurait pu arriver à n’importe qui." Plus fort encore, selon Jameson on voit dans Videodrome les trois positions de détective, de victime et de méchant "changer systématiquement de position et, dans la dynamique de leur rotation, fusionner progressivement les unes avec les autres (…) les acteurs physiques demeurent en un sens ‘les mêmes’, tandis qu’au-dessous leurs fonctions actantielles changent sans cesse."Au premier abord donc, La totalité comme complot pourrait n’être qu’une très stimulante lecture d’œuvres cinématographiques américaines des années 70 et 80. Mais ça n’est pas le cas. (la suite la prochaine fois) (waow, le cliffhanger de folie !)

Across the Universe de Julie Taymor

2007-12-21T15:42:04+01:00

Across the Universe, film psychédélique, hommage improbable à la musique des Beatles, est passé totalement inaperçu en France et c’est dommage. Peut-être à tort jugé trop kitsch, le troisième film de Julie Taymor – après Titus en 2001 et Frida en 2003 – est un véritable ovni, une comédie musicale singulière d’une originalité hallucinante illustrant avec bonheur les plus grands tubes du groupe anglais.

« Is there anybody gone to listen to my story, all about the girl who came to stay »… Premières mesures de la chanson Girl, premières paroles du film. C’est Jude (Hey Jude !) qui nous parle/chante, face caméra. On est au milieu des années 60, Jude est ouvrier sur un chantier naval de Liverpool. Il vit seul avec sa mère. Son père, un ancien GI qui n’est resté en Angleterre que le temps de la guerre, ne connaît pas son existence. Jude décide de partir le rencontrer. A New York, dans une Amérique ébranlée par la guerre du Vietnam, il va découvrir la vie de bohème, la peinture, la drogue, l’amitié avec Max, l’amour avec Lucy (Lucy in the Sky with Diamonds)…

Across the Universe procède par illustrations, comme si la réalisatrice avait eu une vision de son film en écoutant en boucle l’intégrale des Beatles sous l’influence du LSD. With a little help for my friend est par exemple l’occasion d’une chorégraphie explosive dans les jardins de Princeton. Au son de Mr. Kite, la campagne américaine se découvre une armée de mains articulées gigantesques qui laissent entrevoir un chapiteau merveilleux sous lequel Across the Universe devient, pour l’espace d’un instant, un film d’animation…

Si l’aspect comédie musicale peut d’abord surprendre, on ne résiste pas longtemps a l’enthousiasme et la créativité de la réalisatrice. Julie Taymor réussit à rendre sa fiction cohérente et émouvante tout en construisant, pour chaque chanson, une proposition visuelle déjantée. Le résultat est donc une réussite totale, une vraie redécouverte du répertoire des Beatles grâce à une esthétique psychédélique semblant directement sortie de l’esprit embrumé des chanteurs.
Marie Corberand

Réalisation : Julie Taymor
Sortie France : 28 novembre 2007
Avec Evan Rachel Wood, Jim Sturgess, Joe Anderson, Dana Fuchs, T.V. Carpio, Martin Luther McCoy, Bono, Salma Hayek, Joe Cocker…
Scénario : Dick Clement, Ian La Frenais
Directeur de la photographie : Bruno Delbonnel
Production : Matthew Gross, Jennifer Todd, Suzanne Todd
Distribution : Columbia Pictures
Distribution France : Sony Pictures Releasing France et Revolution Studios

”My Blueberry Nights”

2007-12-11T20:24:30+01:00

Note : 6,5/10Le nouveau film de Wong Kar Wai nous procure, à de nombreuses reprises, des impressions de déjà-vu. Bien sûr, d’habitude ce sont des acteurs chinois, qui s’expriment en langue chinoise, qui peuplent les œuvres du réalisateur. Cette différence mentionnée, My Blueberry Nights évoquera énormément à l’habitué de l’univers de WKW : effets de mise en scène (plans serrés, usage répété – et un peu lourd – des ralentis, thèmes musicaux obsessionnels), effets esthétiques (couleurs chaudes et contrastées, rouge, jaune et bleu notamment), décors et ambiances (cafés, buvettes, rues désertes, la nuit), et surtout thématiques (amours déçues et chassés-croisés sentimentaux, nostalgie et désir paradoxal de changer de vie). My Blueberry Nights a le mérite de pousser le "dispositif" WKW à ses limites. De toute évidence le réalisateur piétine un peu dans son inspiration, il espérait peut-être se "relancer" en décadrant et déterritorialisant ses intrigues et ses acteurs. Il n’en est rien donc, on reste en terrain archi-connu, d’ailleurs WKW lui-même le sait qui en vient à glisser dans son film un clin d’œil autoréférentiel qui sonne comme un aveu : on entend ainsi le thème magnifique de In The Mood For Love dans une version country jazz. Le message est clair : je suis empêtré dans ma propre perfection et mes propres obsessions, aidez-moi à m’en sortir ! C’est sans doute de ce point de vue que My Blueberry Nights est le plus pathétique : car l’impossibilité de passer à autre chose, de tourner la page, la complaisance dans la nostalgie, qui vire à l’élégie, n’est-ce pas précisément le syndrome dont sont atteints tous les protagonistes des films de Wong ? Or voici que, dans une mise en abyme à la fois cruelle et ironique, le spectateur constate que c’est désormais le cinéma de Wong lui-même qui en est victime. On l’aura compris, ce nouvel opus ne fait que creuser un peu plus profond un sillon déjà tant labouré par le passé. De Chungking Express, My Blueberry Nights prend le côté un peu fleur bleue et nunuche et plusieurs éléments du décorum : ce ne sont plus les ananas en conserve, c’est la tarte à la myrtille, ce n’est plus le snack tenu par la jeune protagoniste mais le café tenu par Jude Law ; de Happy Together, My Blueberry Nights prend le "trip" à l’étranger (c’était l’Amérique Latine), l’ambiance un peu road movie ; de In The Mood For Love, My Blueberry Nights reprend donc la musique à un bref moment puis, plus largement, la réflexion autour d’une relation qui se termine, de la brisure de cœur que cela provoque, de l’impossibilité éventuelle de s’en remettre.Mais cela reste finalement moins abouti que dans les trois films cités, tout simplement parce que cela perd en originalité et parce que rien ne vient transcender et transfigurer ces thèmes. D’où, in fine, un film qui se laisse voir, avec des bons moments, une réalisation léchée, des acteurs intéressants (notamment Rachel Weisz et Nathalie Portman), mais qui n’apporte rien, ne fait rien de mieux, ressasse. Dans les œuvres précédentes, la part de romantisme à la limite du cliché ne gênait pas ; ne gênaient pas non plus les considérations presque niaises sur : peut-on survivre à une histoire d’amour passionnelle ? peut-on aimer à nouveau lorsque l’on a tout donné à quelqu’un qui vous a finalement trahi ? peut-on refaire sa vie, et si oui par quoi faut-il en passer ? Ici, cela finit par être un peu convenu et agaçant. Wong Kar Wai est donc dans une impasse. Saura-t-il se renouveler, ou s’avèrera-t-il que le sublime In The Mood For Love lui a fait atteindre une perfection à la fois formelle, esthétique et narrative qu’il ne pourra jamais égaler ? A suivre…

”Le Rêve de Cassandre”

2007-11-29T22:43:06+01:00

Note : 8/10Les derniers films de Woody Allen divisent. Personnellement, un peu comme pour Scoop, je dois reconnaître que, malgré certaines mauvaises critiques, j’ai bien aimé Le rêve de Cassandre. Avec Match Point d’abord, Scoop ensuite, Le rêve de Cassandre enfin, on peut dire d’Allen qu’il s’essaye aux "variations sur un même thème". Dans le premier élément de la trilogie il s’agissait d’une noirceur assez cynique, dans le deuxième d’une noirceur assez comique et bouffonne, dans le troisième d’une noirceur plutôt sèche, presque tragique. Tragique n’est évidemment pas un mot choisi par hasard, tant la référence au stylisme du théâtre grec est patente. Dans le titre lui-même évidemment, qui rappelle l’aspect prophétique et inéluctable du fatum ; dans le dispositif ensuite, qui semble dérouler une intrigue implacable dont le point final est tout tracé et ne pouvait aboutir à autre chose que ce à quoi il finit par aboutir. Dans d’autres films déjà, si je me souviens bien, Allen avait d’ailleurs fait intervenir un chœur grec, ce qui dit assez son intérêt pour cette forme très particulière de spectacle et de mise en scène. Ici, en l’occurrence, pas d’effet comique de ce type, pas d’intention aussi démonstrative, mais malgré tout un message très clair et appuyé, qu’on a assez peu l’habitude de voir chez ce cinéaste en général plus léger et plus ironique. Ce qui n’empêche pas que le Rêve de Cassandre soit, à plus d’un titre et malgré leurs différences, à rapprocher de précédents opus de Woody Allen. J’y vois à nouveau une réflexion en miroir sur le cinéma et, plus généralement, sur la façon de raconter des histoires. A partir d’une trame de base, quel prisme choisir ? Celui du comique ? Celui du tragique ? Faut-il faire rire ? Faut-il faire pleurer ? J’y vois à nouveau, directement relié à cette problématique, un aveu d’Allen : oui, même si je sais que la vie est compliquée, même si j’aime filmer des individus qui n’ont pas l’air de savoir où ils vont, je suis manichéen. Un manichéisme qui éclate notamment dans ce film avec la figure des deux frères (joués par Ewan McGregor et Colin Farrell) qui représentent, face à la mort ou plutôt face au fait de donner la mort, deux attitudes possibles. D’un côté l’acceptation et même le profit, de l’autre le remord allant jusqu’à la folie. Un manichéisme qui éclate aussi dans le choix des deux figures féminines : l’une blonde, épouse dévouée ; incarne l’innocence ; l’autre brune, actrice prête à tout pour percer, incarne la tentation. J’y vois à nouveau des références de lettré à d’autres univers fictionnels, à commencer par la littérature. J’évoquais la tragédie grecque, l’on pourrait tout autant dresser des parallèles avec d’autres genres et d’autres époques : vis-à-vis de la figure très ambiguë de l’oncle, à la fois protecteur et financeur mais en même temps comploteur et maître-chanteur, une comparaison avec le Faust de Goethe pourrait être tracée ; vis-à-vis de l’arrivisme des deux frères, de leur lâcheté et de leur impossibilité à se sortir de leur petite vie, de leur tentation de basculer dans le crime pour y parvenir, un parallèle avec Crime et châtiment de Dostoievski pourrait s’imposer. Finalement, ce qui me semble réussi dans Le rêve de Cassandre, c’est la façon très sobre et très économe avec laquelle Woody Allen construit et conduit son film. Le sentiment très fort de linéarité qui se dégage ne résume pourtant pas cette œuvre par ailleurs plus complexe, subtile et intertextuelle qu’il n’y paraît. Un peu comme si l’épure et l’austérité se paraient de quelques fioritures, discrètes mais d’autant plus précieuses.

Le jour où je suis devenue femme de Marzieh Meshkini

2007-11-27T17:15:00+01:00

Le jour où je suis devenue une femme est le regard d'une réalisatrice sur la condition féminine en Iran. Trois générations de femmes se succèdent dans ce film.Hava est sur le point de rejoindre son petit camarade quand sa grand-mère lui rappelle qu'elle a aujourd'hui neuf ans et que désormais elle ne pourra plus aller jouer librement avec ses amis. Sa mère lui offre son premier tchador noir. Des dizaines de jeunes filles en tchador font une course cycliste. Le mari de l'une d'elles lui intime l'ordre de renoncer, sinon il la répudiera. La jeune femme ne l'écoute pas et pédale de plus belle À Kish, au sud de l'Iran, débarque d'un avion une femme âgée. Elle demande à un jeune porteur de l'accompagner au plus proche centre commercial. Elle vient d'hériter et décide de s'acheter tout ce qu'elle n'a jamais pu se payer dans sa pauvre vie.ENTREE LIBRE - Mardi 4 Décembre à 14 hProjection suivie d’un débat avec Mimi Abdo, sociologue, membre de l’Association nationale « Femmes Solidaires ».Cinéma La Lucarne, 100 rue Juliette Savar, 94000 Créteil

Ramdam

2007-11-22T09:20:00+01:00

Frédérique nous livre son quotidien. Son combat contre l'ordinaire. "Parfois le quotidien m’englouti, les objets m’échappent, la vie se complique alors je me rebelle"

En grève

2007-11-21T08:45:00+01:00

Latifa nous livre sa grève... Assez dit-elle ! Sans commentaire, quand c’est trop, c’est trop. Trop de ménage, de vaisselle, de tout.

”Les promesses de l'ombre”

2007-11-20T21:13:37+01:00

Note : 9/10A priori, rien d’extraordinaire dans le nouveau film de David Cronenberg, Les promesses de l’ombre. Anna (Naomi Watts), une sage-femme assez seule et déprimée dans la vie, met au monde un bébé dont la mère meurt. Celle-ci laisse, pour toute trace, un carnet intime écrit en russe. Anna va tâcher d’en savoir plus sur cette jeune femme qui est morte sous ses yeux et sans une explication : elle se retrouve rapidement dans un grand restaurant russe, le Trans-Siberian, où elle fait la connaissance de Semyon, patriarche et patron de l’établissement, qui lui propose de traduire le carnet. Sous ses airs débonnaires, Semyon est en fait un mafieux russe chef de gang dont le fils, Kirill (Vincent Cassel), est ivrogne et incontrôlable ; Semyon l’a donc placé sous la protection d’un chauffeur aussi énigmatique que redoutable, Nikolaï (Viggo Mortensen). Anna, une fois en possession de ce carnet (un "détail" qui pourrait coûter cher au gang russe), devient donc un danger potentiel. C’est ce chassé-croisé, sur fond de guerre des gangs et de déchaînement de violence, que raconte le film. Ce qui aurait pu être une histoire assez conventionnelle, voire même un peu grotesque (aucun des principaux acteurs censés incarner les mafieux russes ne vient de ce pays), se révèle pourtant extrêmement prenant de bout en bout, grâce à une tension qui ne faiblit jamais durant les 1h40 que durent le film, grâce également à un jeu d’acteurs absolument parfait, grâce enfin à quelques scènes d’anthologie (notamment l’affrontement dans le hammam). Alors qu’un réalisateur plus ordinaire n’aurait extrait de cette trame scénaristique relativement ténue qu’un film au mieux de série B, David Cronenberg parvient à épaissir l’intrigue avec talent, notamment en jouant sur les thématiques qui lui sont chères. Il y a évidemment celle, centrale, de l’identité (avec son corollaire : l’image du double). Les personnages ne réduisent pas à ce qu’ils semblent être, de Semyon (côté pile : un gentil grand-père qui tient un restaurant ; côté face : un homme violent qui a bâti un empire du mal au sein de la plus grande ville d’Europe, Londres) à Anna (côté pile : une sage-femme très belle et douce ; côté face : une femme résignée quant à sa vie sentimentale, contrariée dans son désir d’enfant, dont les origines orientales, qui semblaient estompées voire gommées, vont resurgir à l’occasion de cette "contagion" russe). Celui qui incarne le plus cette image du caméléon, c’est toutefois le personnage joué par Viggo Mortensen : sa façade rêche et impassible semble assurer son unité, mais qui se cache derrière ce mur de glace ? L’ambiguïté subsistera jusqu’au dernier plan, sans réponse tranchée. L’autre thématique fétiche du réalisateur, c’est sans surprise celle des corps et des mutations. Ici encore, le personnage de Viggo Mortensen incarne le mieux cette obsession. Cronenberg semble puiser une inspiration nouvelle en filmant l’acteur sous toutes les coutures (c’est le cas de le dire si l’on revient à cette scène décidément tenace du hammam où Nikolaï, pris dans un traquenard, finit à poil et en sang après être parvenu in extremis à liquider les deux tueurs tchétchènes qui voulaient lui faire la peau), le parant de tatouages censés le "lire" et le résumer tout entier. Une fois ajoutées les étoiles qui symbolisent son intronisation au plus haut niveau du crime mafieux, la mutation de Nikolaï semble parachevée, ce qui en réalité est loin d’être le cas, un peu comme si l’évolution ne pouvait jamais cesser et l’identité ne pouvait jamais se fixer. Au-delà de ces thématiques centrales, c’est toutefois la maîtrise de la réalisation qui impressionne. La direction d’acteur, on l’a dit, est magistrale. Mais ce qui l’est tout autant, c’est la retenue et la sécheresse de Cronenberg lorsqu’il s’agit de s’attaquer aux "morceaux de bravoure". Bien sûr la violence est là présente, filmée sans oripeaux, tranchante comme les lames de rasoir ou de couteau qui ne cessent de traverser les gorges, les poitrines ou les cervelets de ceux qui en sont victimes, bien sûr le gore contamine plusieurs séquences, mais au final domine chez le spectateur le sentiment que le réalisateur canadien n’en fait jamais trop et reste juste (au sens où une note sonne juste ou faux). A l’image du titre original du film (Eastern Promises : ou comment l’Orient fantasmatique s’insinue dans l’univers de l’Occident et l’infecte), le cinéma de Cronenberg et les acteurs qui l’incarnent représentent une perméabilité des genres, une recherche formelle et esthétique perpétuelle qui, pour le moment, ne nous lassent pas.

Lache-moi les baskets !!!

2007-11-20T15:45:00+01:00

Isabelle se confie. "Quand je sors et que j’entends « Tu vas où » ça m’insupporte." Suivons-là dans son insoumission !!!

Ca tourne

2007-11-19T15:45:00+01:00

Notre Delphine nous livre son plaisir de faire du cinéma... "Et si je faisais du cinéma !" Un rêve, non, bien plus une réalité !

Noix & Cacahuètes

2007-11-18T15:40:00+01:00

Khady se rebelle... "Ma patronne m’a dit tu vas casser des noix, c’est la saison ! mais déjà au Mali je ne supportais pas de casser des cacahuètes alors ici je ne casserai pas les noix non plus !"

Délivrance

2007-11-16T15:40:00+01:00

La mère d’Annick voulait qu’elle soit corsetière !! vous verrez ce qu’il advient d’un corset trop serré…

Soumission, Insoumission

2007-11-14T15:35:00+01:00

En effeuillant la marguerite Pépa s’interroge…

Il n'est jamais trop tard

2007-11-13T15:35:00+01:00

Quelle belle idée de pouvoir apprendre à lire et à écrire. Quelle liberté de pouvoir avoir accès au savoir. voilà le thème de la vidéo de Mekioussia. Une belle leçon de sagesse... "En kabylie les filles n’allaient pas à l’école et quand je suis venue en France je ne savais pas lire, ni écrire.. alors maintenant j’apprends, il n’est jamais trop tard…"

4ème Festival du Cinéma Péruvien de Paris

2007-11-13T08:05:00+01:00

4ème Festival du Cinéma Péruvien de Paris
« Peuples indigènes d’Amérique latine » du 14 au 20 novembre 2007

Cinéma des Cinéastes - 7, Place de Clichy - Paris 17e - Métro Place de Clichy

Les invités du festival : Melania Urbina (actrice) égérie du cinéma péruvien elle est à l’affiche de 3 films présentés ! Augusto Tamayo (réalisateur), Nathalie Hendrick (productrice de Argos Produccion et Présidente de CONACINE), Ernesto Cabellos (documentariste) Giuseppe De Bernardi (directeur Artistique), Jean-Paul Salomé (réalisateur et Président de l’ARP), Jeanne Labrune (réalisatrice), Pierre Richard (réalisateur et parrain du festival), Firmine Richard (actrice et marraine du festival), Sébastien Lecca (peintre péruvien), Giannina Lanata (sculptrice péruvienne).

Fred et Jamy, animateurs « C’est pas sorcier » sur France 3, Pascal Leonard (réalisateur), Pierre Bessard (réalisateur), Patrick Vanier (réalisateur), Bruno Lorvao (réalisateur) et Grégory Schepard (réalisateur).

Le jury des fictions sera présidé par Michèle Levieux (journaliste) et composé de Juan Solanas (réalisateur), Joaquina Belaunde (actrice péruvienne), Ilari Sandison (réalisatrice et productrice), et Dominique Tupin (distributeur).

Jury courts métrages : Valérie Cibot (France), réalisatrice et productrice - Dereck Lepape (France) directeur de la photographie et réalisateur - Selma Mutal (Pérou) compositeur de musiques de films

Au programme cette année :

Mercredi 14 novembre : Inauguration du Festival

18h40 - En présence des invités du Pérou : Augusto Tamayo, Melania Urbina, Nathalie Hendrickx Présidente du Conacine, l’Ambassadeur du Pérou en France Harry Belevan, Firmine Richard Marraine du festival, et des membres du Jury..

Projection du film Una sombra al frente d’Augusto Tamayo(Pérou-Chili-Cuba) 135 mn - Compétition.

22h15 - La Gran Sangre de Jorge Carmona del Solar (Pérou) 90 min

Jeudi 15 novembre

16h - Le pays des saxos de Sonia Goldemberg (Pérou) 70 mn – compétition - Sacha Runa Yachay d’Eriberto Gualinga Montalvo (Equateur) 20 mn

17h40- Cinéma indígène Brésil – Cachivera de los Jaguares Auaretê de Vincent Carrelli (Brésil) 45 min - Rencontre avec le public

La Prophétie de Piatsaw de Pierre Bessard (France) - 54 mn -en présence du réalisateur.

20h - Mariposa Negra de Francisco J. Lombardi (Pérou/Espagne) - 105 mn - compétition

En présence de la comédienne Melania Urbina et du directeur artistique Giuseppe Bernardi.

22h20 - Courts métrages : Chullachaqui de Dorian Fernández Moris (Pérou) 30 mn - Carretilla Drivers de Fernando Ttorres (Pérou) 10 min - Los Gigantes, Alcibiades y el Bosque de Piedras de Miguel de la Barra Gómez (Pérou) 16 min - A China el golpe d’Eduardo Mendoza (Pérou) 18 min.

Vendredi 16 novembre

15h30 - Un dia sin sexo Frank Pérez-Garland (Pérou) - 86 min - Compétition

17h05 - Cinéma indigène Pérou/Équateur/Mexique- Historias verdaderas collectif (Mexique) - Uratarimanta de Cesar Galindo (Pérou) 51 mn - Abriendo caminos de jose Haman Turpo (Péou) 21 mn - Sacha Runa Yachay d’Eriberto Gualinga Montalvo (Equateur) 20 mn

Intervenants : Xavier Ricard ex-Directeur de Bartolome de la Casas, Ch’aska Anka Ninawaman représentant indigène de la communauté K’anas (Cusco –Pérou) avec la participation de Corinne Arnoult présidente de l’Association Paroles de Nature.

19h25 - Una sombra al frente d’Augusto Tamayo (Pérou-Chili-Cuba) 135 mn – Compétition. Rencontre avec le réalisateur et la productrice Nathalie Hendrickx et la participation de Fernando Carvallo

22h10- Documentaire : Poissons de ville de Felipe Degregori – (Pérou) - 65 min - Compétition - Corpus Christi de Raul Goyburu - (Pérou) 60 min – Panorama

Samedi 17 novembre

14h00- Allà lejos y Hace tiempo d’Anaï Guayamares (Pérou) 26min- Web site story de Luís Isasi (Pérou) - 10 min - Sobre la lucha film collectif - 8mn - Cinéma indigène Mexique Carretilla Drivers 10 mn - Los Gigantes, Alcibiades y el Bosque de Piedras 16 min. Rencontre avec les réalisateurs

15h30- Tambo Grande, Mango, Muertes d’Ernesto Cabellos (Pérou) - 70 min – Compétition

Abya Yala de Patrick Vanier - Bolivie/France - 56 min - Rencontre avec les réalisateurs

18h10- Cinéma indigène Bolivie – Rencontre avec le public- « Choitee » / Renacer de Jose Ignacio Yalahuma (Bolivie) - 45 min

La Voix d’un peuple de Bruno Lorväo et Gregory Schepard (France) - 53 min- en présence des réalisateurs.

Intervenants : José Reynes et Corinne Arnoult présidente de l’Association Paroles de Nature

20h30- Talk show de Sandro Ventura Mantilla (Pérou) - 106 min – en compétition

22h30- Cinéma indigène - El Tunche de Nilo de Inga Huaman - (Pérou) - 86 min

Dimanche 18 novembre

14h00- Séance jeunesse

De los Niños Ikpeng para el Mundo (cinéma indigène- Brésil) 35 min

Quand les grues cendrées rencontrent les condors de Cesar Galindo (Pérou) - 45 min - Compétition

15h30- Les Visiteurs d’Henry Rodríguez (Pérou/Argentine) - 64 min – Compétition - Tambo Grande, Mango, Muertes d’Ernesto Cabellos – (Pérou) - 85 min – Compétition - En présence du réalisateur

18h10- La Gran Sangre de Jorge Carmona del Solar (Pérou) - 90 min

En présence de l’actrice Melania Urbina

19h55- Mariposa Negra de Francisco J.Lombardi (Pérou/Espagne) - 105 min - Compétition

Rencontre avec l’actrice Melania Urbina et Efrain Kristal (directeur de l’Université de Californie à Paris).

22h- Venciendo el miedo de Maria Morales (cinéma indigène – Bolivie) - 55 min

Le Pays des Saxos de Sonia Goldenberg - (Pérou) - 70 min – Compétition

Lundi 19 novembre

15h00- Talk show de Sandro Ventura Mantilla (Pérou) - 106 min – Compétition

17h00- Cinéma indigène Guatemala et Pérou - Rencontre avec le public- Sipakapa no se vende de Alvaro Revenga (Guatemala)- 55 min

Choropampa d’Ernesto Cabellos (Pérou) - 75 min – en présence du réalisateur, de Corinne Arnoult présidente de l’Association Paroles de Nature et José Reynes.

20h10- Una sombra al frente d’Augusto Tamayo (Pérou-Chili-Cuba) 135 mn – Compétition.En présence du réalisateur et la productrice Nathalie Hendrickx

22h 35- Cinéma indigène : El Tunche de Nilo de Inga Huaman - (Pérou) - 86 min

Mardi 20 novembre

16h- Un dia sin sexo de Frank Pérez-Garland (Pérou) - 86 min – Compétition- Rencontre avec l’actrice et scénariste Melania Urbina et Dominique Fisch Bach

18h00- Séance jeunesse : « C’est pas sorcier » Au cœur de l’Empire Inca – (France) - 52 min, de Pascal Léonard - En présence de l’équipe, rencontre avec les enfants, tirage au sort des jeux C’est pas sorcier.

20h Clôture du festival - Remise des prix par le Jury - Concert latino américain -

Soirée « Amis du Festival »

22h Projection du long-métrage primé

Plus d'informatios sur le site officiel du Festival en cliquant là !

Padre, Padrone

2007-11-11T15:30:00+01:00

L'histoire d'une insoumission possible grâce au cinéma. Marie-Antoinette, nous livre son désir de dire "basta" ! "En Italie quand j’étais petite le père commandait et un jour j’ai dit basta ! ou plutôt je ne l’ai jamais fait mais j’en ai eu envie…"

Le sport, mon bien être

2007-11-10T15:30:00+01:00

Khady nous fait partager les joies de sa liberté. Rien de mieux que la course à pieds pour se sentir libre... Un hommage à l'espace...